Всё для Учёбы — студенческий файлообменник
1 монета
doc

Студенческий документ № 020624 из ГЭИ

История культуры и искусства, история дизайна, науки и техники

1. Дизайн: понятие и феномен.

- рисунок, набросок, портрет.

16 век - термин используется в практической деятельности, прежде всего для согласования основной идеи с заказчиком.

- это профессионально-различные виды проектной деятельности, имеющей целью формирование эстетических и функциональных качеств.

ICSid - международный совет общественно-промышленного дизайна.

Дизайн - творческая деятельность, цель которой определение формальных качеств предмета. Эти качественные формы относятся не только к внешнему виду, но гланым образом к структурным и функциональным связям, превращающим систему в целостную среду с точки зрения изготовителя (структура) и потребителя (функция).

Аспекты дизайнерской деятельности: технологический (из чего сделан); эстетический; функциональный; эргономический; экономический (цена+качество); социологический (учет соц.запросов той или иной группы); экологический.

На рубеже 19-20вв в условиях роста промышленности сформировались основные виды дизайнерской деятельности: промышленный дизайн; архитектурной среды; дизайн костюма; дизайн средств транспорта; графический дизайн; информационный дизайн.

Во 2ой половине 19века развитие крупной промышленности привело к насыщению рынков многочисленными однотипными изделиями не очень высокого качества, что было благом для малоимущих слоев, но общее качество окружающей предметной среды стало ухудшаться. Именно эти факторы предопределили первую теорию дизайна.

2. Роль изобразительных видов искусства в эстетической организации среды.

Изобразительное искусство - комплекс пластических искусств, исходно связанных с созданием статических изображений и материальных форм. Произведения изобразительного искусства возникают в результате эстетического освоения визуальной сферы восприятия.

Основные виды изобразительного искусства: скульптура, глиптика, живопись, графика, фотоискусство, цифровая живопись, компьютерная графика, декоративно-прикладное искусство, дизайн. Архитектура как дизайн строений все же не относится к изобразительному искусству в строгом смысле, но постоянно взаимодействует и находится в стилистическом соответствии с ним. Произведения изобразительного искусства могут быть беспредметны и даже нематериальны, (заставка на экране, гарнитура книжного шрифта), но, независимо от материальности и предметности, типичные произведения изобразительного искусства обладают чертами объекта (ограниченностью в пространстве, стабильностью во времени). Изобразительное искусство либо создаёт самостоятельные объекты, не имеющие утилитарной ценности (скульптура, живопись, графика, фотоискусство), либо эстетически организует объекты утилитарного назначения и информационные массивы (декоративно-прикладное искусство, дизайн). Изобразительное искусство активно влияет на восприятие предметного окружения и виртуальной реальности. Художественными средствами изобразительного искусства в разных его видах являются обращения ко всем аспектам зрительного восприятия (объем, пластика, цвет, светотень, фактура и пр.) - изобразительные средства - и выразительные средства, связанные с характером образности произведения (сюжетно-ассоциативный комплекс). Совокупность характерных для определённого вида или произведения изобразительных средств и специфика их применения называется изобразительным языком. Роль изобразительных видов искусства - в выполнении множества функций (украшение, информация, сюжеты войны, победы, охоты; коммуникативная - теснее связана с дизайном, учитывает восприятие другого человека; функция презентации).

3. Варианты проявления синкретизма в ранних формах искусства.

Синкретизм - изначально единое, нерасчлененное; целостность каких-либо процессов; спантанновозникающие формы. Одновременно социальная, художественная и индивидуальная деятельность. 1 тип: детское восприятие. 2 тип: разные виды деятельности первобытного человека (одновременно охотился, трудился, молился).

Возникновение искусства - закономерное следствие развития трудовой деятельности и техники палеолитических охотников, неотделимое от сложения родовой организации, современного физиологического типа человека. Изображения, воспроизведенные рукой первобытного человека, являются звеном единой цепи художественно-религиозно-театрального магического действа, отражающего синтез материальной и духовной культуры человека той далекой эпохи. Ранние рисунки примитивны; это контурное изображение голов животных, оттиски человеческой руки, волнистые линии, выдавленные в сырой глине пальцами руки (так называемые "макароны"). Более поздние изображения эпохи палеолита - это рисунки животных того времени (оленей, лошадей, бизонов, мамонтов), выполненные на стенах и потолках пещер. Древнейшие статуэтки животных отличаются точным изображением, жизнь заставляла человека-охотника подробно изучать характер животного, его повадки. Живописные изображения мезолитической поры (среднекаменная эпоха) 10-6 тыс. до н. э. стали более красочными. Появились многофигурные композиции, отражающие динамические сцены охоты, сражений между племенами, бытовой деятельности. Человек делает первые попытки раскрыть взаимосвязи мироздания, освоить общие закономерности жизни. На смену наскальной живописи первобытного человека приходит искусство абстрактного орнамента, нанесённого на глиняную посуду.

Искусство древних цивилизаций наследует черты первобытной культуры, открывая и новые формы художественного творчества.

4. Образ мировой горы в архитектуре древних цивилизаций.

Мифологема горы появилась очень рано, образ горы, как материнского лона, где должен быть вход и выход; вертикальная ось между землей, небом и заоблачной далью.

Мифы: верх- Боги, низ - люди, тело горы - мир мертвых или путь к восхождению.=> Дало плоды в архитектуре (погребальные комплексы: этруски, египетские пирамиды).

3 инициации: рождение (из небытия в бытие), переход от ребенка к взрослому (давалось новое имя), смерть (из бытия в иное небытие).

Пирамиды - ступени к солнцу, внутри погребальная камера, как сомна Богов. Купола церквей и храмов. Мастаба (могила).

5. Основные вехи эволюции древнегреческой скульптуры.

Периодизация Др. Греции: 9-8 вв до н.э. (Геометрика), 7-6 вв. до н.э. (Архаика), 490-450 гг до н.э. (ранняя классика), 450-400 гг. до н.э. (высокая классика), 400-323 гг. до н.э. (поздняя классика), 3-1 вв до н.э. (Эллинизм). Древнейшая цивилизация, которая отличалась архитектурными постройками высокого уровня, живописными произведениями, керамическими изделиями.

Типы греческих ваз в геометрический период: амфора, кратер, ликиф, килик.

Архаический период: первая ск-ра статична и неподвижна, напоминает египетскую; главные герои - куросы и коры: мужчины обнажены, нога вперед, женщины задрапированы. Отличительная черта - архаическая улыбка. Коры позже переросли в кариоиды (девушки-колонны), куросы в атлантов.

Высокая классика: расцвет всех видов искусства, происходит воплощение эстетического идеала красоты и гармонии. В скульптуре достигли наибольших успехов; ск-ра отличается совершенными формами и идеалистичностью. Материалы: мрамор, бронза, дерево, смешенная техника - хрисоэлефантинная. Виды ск-ры: монументальная, мелкая пластика, круглая станковая, рельеф (на Парфеноне). Мастера: Фидий, Поликлет. Греки полагали, что только в прекрасном теле может жить прекрасный дух, поэтому гармония фигуры, внешнее совершенство, отсутствие изъянов непременное условие и основа идеального человека.

Поздняя классика: концентрация больших богатств приводит к междоусобной войне, искусство отражает психологические переживания ч-ка, его сомнения, боль, появляются первые портреты.

Эллинизм: междоусобные войны ведут к спаду из.иск-в, утрачивается ясный гармоничный идеал. В ск-ре уходят от идеального образа, намечаются реалистические тенденции. Скопас - скульптор реалистичного направления, стремился к многогранному раскрытию образа, изображал порывы страсти, ввел тему трагичности, работал в мраморе. Пракситель - идеалист, обращался к образам проникнутым ясной и чистой гармонией, противоположность Скопасу. Создал новый идеал женской красоты, воплотив его в образе Афродиты, автор первых обнаженных женских скульптур.

В: иск-во Др.Греции и эллинизма вошли в мир.иск-во под термином "классика", в ср.века это иск-во было забыто, но его возобновили художники эпохи возрождения.

6. Типология храмов Древней Греции и Древнего Рима: общее и особенное.

7. Эволюция классической ордерной системы в эпоху античности.

ОРДЕР - вид архитектурной композиции, художественно переработавшей стоечно-балочную конструкцию и имеющей определенный состав, форму и взаиморасположение элементов. В классической архитектуре различают Ордера: дорический, ионический, коринфский (греческие) и их модификации - тосканский, композитный или сложный (римские). Ордер может быть полным и неполным. Полный содержит 3 основные части: антаблемент, колонну и пьедестал. Неполный ордер не имеет пьедестала. Основная конструктивная схема всех ордеров - стоечно-балочная конструкция, которая состоит не менее чем из пары стоек (колонн) и опирающейся на них балки - архитрава. В простейшем варианте этой конструктивной схемы колонны - несущая конструкция, а архитрав - несомая. В художественной трактовке конструктивной схемы проявились отличительные особенности ордеров. Дорический можно считать основным в развитии греческой архитектуры. Характеризуется приземистыми, сужающимися кверху колоннами, установленными на основании (стилобате). Колонны венчались капителями простой, строгой формы, кроме украшения, выполняющими и другую функцию - они были необходимы для более удобного перехода от колонн к горизонтальным балкам. Антаблимент разделялся на три части: архитрав, фриз с метопами и карниз. Архитрав всегда выполнялся гладким, без украшений. Фриз состоял из двух чередующихся частей: немного выступающих вперёд триглифов и утопленных квадратов - метоп. Карниз располагался выше. В дорическом стиле был построен Парфенон и со всех сторон окружён колоннами. Ионический ордер отличался от дорического пропорциями, а также количеством и сложностью деталей. Он имел прямые колонны и венчался капителью, по форме напоминавшей рога барана (волюты). Над волютами имелся импост (тонкая горизонтальная прокладка). Колонны устанавливались на базах с каннелюрами в количестве двадцати четырёх штук. Архитрав включал три выступающие друг над другом полосы (фасции). Фриз выполнялся сплошным, без ячеек, но иногда украшался рельефом. Зато в карнизе довольно часто высекались украшения, по форме напоминавшие яйца (ионики), листья (климитий) и бусы. Функции обоих этих ордеров были одинаковыми - колонны сооружались для того, чтобы поддерживать горизонтальные балки перекрытия. Различие заключалось только в пропорциях и украшениях. Коринфский ордер появился позднее двух предыдущих и во многом напоминал ионический. Отличие заключалось в капители, имеющей форму колокола и украшенной стилизованными листьями аканфа. Этрусский (тосканский) ордер имел деревянный антаблемент и мощные колонны. Композитный ордер очень похож на коринфский, отличается от него лишь капителью, в которой присутствуют также черты капители ионического ордера.

8. Семантика портрета в культуре Древней Греции и Древнего Рима.

Одним из видимых результатов развития греческой цивилизации стала античная скульптура. Др.Греция. Заимствованная греками из древней и рафинированной, но безличной и униформированной деспотичной цивилизации Египта, уже в архаическую эпоху она отличается от окоченевших и схематичных греческих фигур большей мягкостью, живостью и большей индивидуализацией очертаний. А с началом классической эпохи, характеризующейся массовым ростом самосознания свободных граждан демократических полисов, скульптура приобретает специфические античные оригинальные черты. Она перестает служить застывшим в деревянной позе символом незыблемости привилегий родовой знати и начинает отражать динамику отношений полноправных граждан полиса. В древнем Риме скульптура ограничивалась преимущественно историческим рельефом и портретом. Скульптурный портрет относится, к высшим достижениям римлян, обладает непревзойденной, точной передачей индивидуальных особенностей лица и характера, а также рельефы, достоверно фиксировавшие исторические события. Римский мастер отличался от греческого, стремился изобразить идеал, видел реальность в ее пластическом единстве, больше склонялся к анализированию, расчленению целого на части, детальному изображению явления. Эволюцию римского живописного портрета нельзя проследить подобно скульптурному. Живописных портретов сохранилось немного. Об их характере в известной мере дают представления фаюмские портреты 2-3 в., названых по месту нахождения в некрополе Эль-Фаюм, в восточной римской провинции Египта. Живописный портрет в Эль-Фаюме, развивался под воздействием эллинестически-римского искусства. Он сохранил здесь ещё культовое назначение, продолжая этим традицию древнеегипетского портрета. Исполненный на тонкой деревянной дощечке или холсте, портрет после смерти человека вставлялся в забетонированную мумию. В нём уже не было скованности фронтальной композиции египетского портрета. Модель изображалась с естественным трёх четвертным поворотом головы и обычно помещалась в нейтральном фоне. Плоская декоративная раскраска сменилась живописной лепкой объёма. В фаюмских портретах обращает внимание яркая обрисовка индивидуальных особенностей модели. Точно воспроизводятся и возрастные особенности, и этнические черты различных народов. Для древних живопись являлась средством передачи образов и, как таковая, не должна была обладать корпусностью и пластической грузностью. Она сводилась к уравновешенности цветовых пятен, света и тени.

9. Новгородская школа иконописи.

10. Христианский храм: сравнительный анализ западноевропейской и византийско-русской моделей.

Византийская культура, борьба старого с новым, зарождение новых тенденций. С X-XI веков в искусстве господствует пышная декоративность. В церковной архитектуре к тому времени базилика как форма культурного здания в виде удлиненной трехнефной постройки отживала свой век. Ее место стал занимать крестово-купольный храм, имевший в плане форму креста с равными ветвями и куполом в центре. Становление крестово-купольной архитектуры было подлинным и сложным процессом. Его начало может быть отнесено еще к VI веку, когда был создан шедевр купольной архитектуры - София Константинопольская, а завершен к X столетию. В X-XII веках крестово-купольное зодчество стало подниматься как в самой Византии, так и в сопредельных с ней странах. Новые тенденции: сокращение масштабов храма (небольшие церкви, предназначенные для городского квартала, сельского прихода, монастыря или замка); растет в высоту: изменяются пропорции здания, вертикаль становится преобладающей идеей; украшение фасада здания теперь входило в общий архитектурный замысел, в единую композицию; новые архитектурные формы экстерьера: фасады членятся, украшаются легкими колоннами и полуколоннами, растет число узких и длинных оконных проемов, впервые появляется асимметрия; облицовки фасадов разноцветными камнями, кирпичным узорочьем, декоративное чередование слоев красного кирпича (плинфы) и белого раствора, яркие изразцы в виде фризов.

Европейская средневековая культура - особая роль христианского вероучения и христианской церкви. В средние века картина мира основывалась главным образом на образах и толкованиях Библии. Культура поры раннего (V-XIII вв.) феодализма в странах Западной Европы. Ранний период. С конца IV в. началось "великое переселение народов". В IX-X вв. европейские народы боролись против набегов мавров, венгров, норманнов; феодальные междоусобицы, временный упадкок и оскудение духовной культуры. Поздний период. На первом этапе позднего феодализма (XI-XII вв.) - романика.

В раннехристианский период, христианство стало официальной религией, и культовые сооружения, ранее находившиеся в катакомбах, становятся наземными. Появляются первые христианские храмы - базилики, которые до нашего времени практически не сохранились. Сохранились только отдельные здания центрического типа (круглые, восьмигранные, крестообразные в плане), чаще всего это так называемые баптистерии (крещальни).

В их внутреннем украшении использовались мозаика и фреска, в которых проявились основные черты средневековой живописи: отрыв от реальности (свойственной античной традиции), символика, условность изображения, мистичность образов с помощью таких формальных элементов, как увеличение глаз, бестелесность изображений, молитвенные позы, жесты, прием разномасштабности в изображении фигур согласно духовной иерархии.

Романское искусство. Сохранившиеся от того времени церковные, главным образом монастырские, постройки - базиликального типа. Они имеют форму латинского креста. Это массивные каменные здания, с узкими и небольшими окнами в толстых продолговатых стенах с приземистыми колоннами внутри, отделяющими друг от друга главный и боковые нефы. Романские церкви и соборы преимущественно трехнефные: центральный неф на восточной стороне заканчивается полукруглой апсидой. Меняется характер перекрытий: исчезают деревянные строительные фермы, их сменяет каменный свод, сначала полуциркульный, потом крестовый. Характерным элементом экстерьера становятся массивные башни. Вход оформлен порталом (отлат. "порта" - дверь), врезанными в толщу стен уменьшенными в перспективе полуциркульными арками. Все богатство декора сосредоточено на главном фасаде и внутри, у алтаря, в основном скульптурный. Скульптура в романскую эпоху переживает первый расцвет.

11. Эволюция конструкции храма в средневековой Франции.

12. Ренессансная картина как поворот в развитии европейской живописи.

Периодизация: кон 13-14 вв - проторенессанс. 15 век - ранний ренессанс. Кон 15 - нач 16 вв - высокий ренессанс. Сер - 2ая пол. 16 в - поздний ренессанс. Первые предвестники искусства Возрождения появились в Италии в XTV веке. Художники этого времени, Пьетро Каваллини, Джотто, Симоне Мартини, рисуя картины традиционной религиозной тематики, начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленным, отличие от предыдущей иконографической традиции. В начале XV века Филиппо Брунеллески, флорентийский ученый и архитектор, открыл и описал законы линейной перспективы в живописи. Это позволило художникам получать совершенные изображения трёхмерного пространства на плоском полотне картины. Другим важным шагом стало появление нерелигиозного искусства. Портрет и пейзаж утвердились как самостоятельные жанры. Даже религиозные сюжеты приобретали иную трактовку - художники Возрождения стали рассматривать их персонажей как героев с ярко выраженными индивидуальными чертами и человеческой мотивацией поступков. Наиболее известные художники этого периода - Мазаччо, Мазолино, Пьеро Делла Франческо, Андреа Мантенья, Джованни Беллини, Сандро Боттичелли. Наивысший расцвет искусства Возрождения пришёлся на первую четверть XVI века, которая получила название "Высокое возрождение". Работы Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти, Микеланджело Буонарроти, Джорджоне, Тициана составляют золотой фонд европейского искусства. Леонардо да Винчи (высокое мастерство в передаче мимики лица и тела человека, способах передачи пространства, построения композиции). Картины и скульптуры Микеланджело Буонарроти полны героического пафоса и, одновременно, трагического ощущения кризиса гуманизма. Его картины прославляют силу и мощь человека, красоту его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире. Творчество Джорджоне и Тициана отличает интерес к пейзажу, поэтизации сюжета. Оба художника достигли большого мастерства в искусстве портрета, с помощью которого передавали характер и богатый внутренний мир своих персонажей. За пределы Италии новая художественная школа начала распространяться в XV веке. Заметные стилевые отличия между итальянским Возрождением и Северным Возрождением дали возможность выделять это направление. В отличие от итальянских территорий на севере в живописи долго сохранялись традиции и навыки готического искусства, меньшее внимание уделялось исследованиям античного наследования и познанию анатомии человека. В Нидерландах первым художником, проповедовавшим подходы Возрождения в искусстве, стал Ян ван Эйк. Его главное произведение, "Гентский алтарь", является одним из известнейших произведений эпохи Возрождения. В XVI веке техника живописи в Нидерландах поднялась на недостижимую для других стран высоту. Достигнув совершенства в изображении предметного мира, художники открыли для себя ранее неизвестную, теневую сторону сознания человека. Наиболее ярко это выразилось в творчестве Питера Брейгеля Старшего и Иеронима Босха.В Германии искусство возрождения развивалось под влиянием реформации, поэтому искусство этой страны было проникнуто духом религиозности. Вместе с этим, большое значение придавалось изображению не приукрашенной действительности, в то время как в итальянское искусство тяготело к идеализированному изображению мира. К наиболее значительным художникам этого периода можно отнести Альбрехта Дюрера, Лукаса Кранаха, Маттиаса Грюневальда.

13. Собор святого Петра как перекрёсток эпох.

14. Эволюция русского портрета в 18 веке.

15. Эволюция европейского пейзажа в 19 веке.

16. Развитие критического реализма в русской живописи XIX века.

17. Реалистический и импрессионистический методы живописи: сравнительный анализ.

18. Эклектика как эпоха и архитектурный метод.

19. "Движение искусств и ремёсел" и его значение для становления дизайна.

20. Ар-Нуво в искусстве дизайна.

21. Деятельность Немецкого Веркбунда и его значение для развития дизайна.

22. Художественный язык фовизма.

23. Этапы развития кубизма.

24. "Пять отправных точек современной архитектуры" Ле Корбюзье и их значение для развития архитектуры XX века.

25. Конструктивизм и его значение для развития отечественного искусства в дизайне.

26. Баухауз и его роль в развитие мирового дизайна.

27. Анти-дизайн как понятие и феномен.

Радикальный и альтернативный дизайн возник в конце 60-х как своеобразная реакция на господствующий в то время "Хороший дизайн". Это иррациональное направление, выдвигая утопические проекты, боролось с геометрией модернизма. Возникший одновременно и близкий ему по понятию, но более применимый на практике двойник радикального дизайна "Антидизайн" отличался несколько большей экспериментальной направленностью и политизацией. История возникновения и развития движения "Антидизайна" обычно тесным образом связывают с итальянским дизайном. Здесь в конце 60-х гг. новое поколение архитекторов и дизайнеров не желали больше проектировать элегантные изделия и выступали против ориентированного на потребителя "бел-дизайна". Радикально настроенная молодежь искала новые альтернативные формы. В итоге она предпочла делать "дизайн без предметов" - кресло-мешок "Sacco" итальянских дизайнеров (Пьеро Гатти, Чезаре Паолини, Франко Теодоро, 1968). Основными центрами "радикального дизайна" в Италии были Милан, Флоренция, Турин. Протест против существующего дизайна выражался в рисунках, фотомонтажах и чертежах утопических проектов, конкретные объекты создавались все реже, а если создавались, то носили ироничный или провокационный характер.

Одним из основоположников "радикального дизайна" считается Эторе Соттсасс. Его объекты и теоретические взгляды до 80-х гг. оставались путеводными для итальянского "радикального дизайна" (поиск принципиально новых форм за счет использования не только новых материалов, но и ранее задействованных запасов физики; активное использование цвета).

Основу движения "радикальный дизайн" составляли итальянские группы: Archizoom (основана во Флоренции,1966), Superstudio (Флоренция, 1966), UFO (Флоренция, 1967), "Группа 9999" (Флоренция, 1967), Strum (Турин, 1963), школа-лаборатория "Global Tools" (Флоренция, 1973). Архизум выступал против элегантного дизайна и бросил вызов господствующему в то время модернизму.

К середине 1970-х годов Радикальный дизайн пережил пик своего расцвета, надежды на социальные изменения через дизайн и архитектуру не оправдались. Но это течение вымостило путь для появления новых лидеров поп-дизайна, "Алхимии" и "Мемфиса", эффективно и всесторонне обновивших итальянский дизайн. Подвергая сомнению установившиеся в дизайне каноны, лидеры радикального дизайна заложили теоретические основы стилистическому направлению "Пост-модернизм", которое зародилось в конце 70-х, а получило расцвет в 80-х. гг.

28. Поп-арт в контексте неоавангардизма.

29. Хай-тек: термин и феномен.

30. Три Софии - сравнительный анализ.

Показать полностью… https://vk.com/doc112474098_85482382
78 Кб, 8 мая 2012 в 11:42 - Россия, Москва, ГЭИ, 2012 г., doc
Рекомендуемые документы в приложении